Die Kunst wurde von den Giganten der Technik brutalisiert. Wie kann es überleben?

Tod des Künstlers Buchcover





Es gibt zwei Geschichten über den Lebensunterhalt als Künstler im digitalen Zeitalter, die sich diametral gegenüberstehen. Einer kommt aus dem Silicon Valley und seinen medialen Impulsgebern. Es gab nie eine bessere Zeit, um Künstler zu sein, heißt es. Wenn Sie einen Laptop haben, haben Sie ein Aufnahmestudio. Wenn Sie ein iPhone haben, haben Sie eine Filmkamera. GarageBand, Final Cut Pro: Alle Tools stehen Ihnen zur Verfügung. Und wenn die Produktion billig ist, ist die Verteilung kostenlos. Es heißt Internet: YouTube, Spotify, Instagram, Kindle Direct Publishing. Jeder ist ein Künstler; Tippen Sie einfach auf Ihre Kreativität und veröffentlichen Sie Ihre Sachen. Bald können auch Sie Ihren Lebensunterhalt damit verdienen, was Sie lieben, genau wie all die viralen Stars, von denen Sie lesen.

Die andere Geschichte stammt von Künstlern selbst, insbesondere Musikern, aber auch Schriftstellern, Filmemachern und Komikern. Sicher, es geht, Sie können Ihre Sachen da draußen hinstellen, aber wer wird Sie dafür bezahlen? Digitale Inhalte wurden demonstriert: Musik ist kostenlos, Schreiben ist kostenlos, Video ist kostenlos, Bilder, die Sie auf Facebook oder Instagram hochladen, sind kostenlos, weil die Leute sie einfach nehmen können (und tun). Nicht jeder ist ein Künstler. Kunst zu machen erfordert jahrelange Hingabe, und das erfordert Unterstützung. Wenn sich die Dinge nicht ändern, wird viel Kunst nicht mehr nachhaltig sein.

Trotzdem machen die Leute immer noch Kunst. Tatsächlich mehr Menschen als je zuvor, wie die Technikfreaks gerne betonen. Wie schaffen sie es also? Sind die neuen Bedingungen tragbar? Sind sie nachhaltig? Was bedeutet es konkret, als Künstler in der Ökonomie des 21. Jahrhunderts zu funktionieren?



Ein Künstler zu sein war schon immer schwer, aber wie schwer ist wichtig. Wie hart wirkt sich darauf aus, wie viel Sie für Ihre Kunst tun können, im Gegensatz zum Schleifen bei Ihrer täglichen Arbeit, und daher, wie gut Sie werden. Wie schwer wirkt sich darauf aus, wer es überhaupt tun darf.

Der Unterschied ist jetzt, dass es schwierig ist, selbst wenn Sie Erfolg haben: Wenn Sie Zuhörer oder Leser erreichen, den Respekt von Kritikern und Kollegen gewinnen, kontinuierlich und Vollzeit in diesem Bereich arbeiten. Ich sprach darüber mit Ian MacKaye, Frontmann der Hardcore-Bands Fugazi und Minor Threat und seit den frühen 1980er Jahren eine führende Figur in der Indie-Musikszene. Ich kenne viele Filmemacher, sagte er, die ihr Herz und ihre Seele und ihr ganzes Geld in Projekte gesteckt haben, lange bevor es das Internet gab, die ihren verdammten Hintern verloren haben, weil nicht genug Leute ihren Film sehen wollten. Und so soll es auch sein. Das Problem ist jetzt, dass du oft deinen verdammten Arsch verlierst, selbst wenn genug Leute deinen Film sehen, deinen Roman lesen, deine Musik hören wollen.

Auch wenn vielen von uns die Not der Künstler in der zeitgenössischen Wirtschaft nicht bewusst ist, gibt es dafür einen offensichtlichen Grund. Es wird nicht nur viel Kunst gemacht; Es gibt viel, viel mehr davon zu niedrigeren Kosten als je zuvor. Für Kunstkonsumenten gab es wirklich noch nie eine bessere Zeit – zumindest nicht, wenn man Quantität mit Qualität gleichsetzt oder sich nicht allzu viele Sorgen um die Arbeiter am anderen Ende der Lieferkette macht. Zuerst hatten wir Fast Food, dann hatten wir Fast Fashion, jetzt haben wir Fast Art: schnelle Musik, schnelles Schreiben, schnelles Video, Fotografie, Design und Illustration, billig hergestellt und in Eile konsumiert. Wir können uns nach Herzenslust schlemmen. Wie nahrhaft diese Produkte sind und wie nachhaltig die Systeme, die sie herstellen, sind Fragen, die wir uns stellen müssen.



Wie Künstler bezahlt werden (und wie viel), wirkt sich auf die Kunst aus, die sie machen, die Kunst, die wir erleben können, die Kunst, die unser Alter kennzeichnet und unser Bewusstsein prägt. Das war schon immer so und bedeutet, dass wir mehr von dem bekommen, was wir unterstützen, und weniger von dem, was wir nicht bekommen. Kunst, die wirklich originell ist – experimentell, revolutionär, neu – war immer eine marginale Angelegenheit. In guten Zeiten für die Kunst wird mehr davon über die Grenze der Lebensfähigkeit gezogen, wo es überleben kann – wo der Künstler bleiben und weitermachen kann – bis es anerkannt wird. In schlechten Zeiten wird mehr davon in die andere Richtung geschleppt. Welche Art von Kunst schenken wir uns im 21. Jahrhundert?

Diejenigen, die Kunst bezahlen, bestimmen direkt oder indirekt, was produziert wird: Gönner der Renaissance, bürgerliche Theaterbesucher des 19. Jahrhunderts, das Massenpublikum des 20. Jahrhunderts, öffentliche und private Förderer, Sponsoren, Sammler und so weiter . Die Wirtschaft des 21. Jahrhunderts hat nicht nur viel Geld aus der Kunst gesaugt, sie hat es auch auf unvorhersehbare und keineswegs nur schlechte Weise bewegt. Neue Finanzquellen sind entstanden, vor allem Crowdfunding-Sites; alte erleben ein Comeback, wie direktes privates Mäzenatentum; einige bestehende werden stärker, wie Markenkunst und andere Formen des Unternehmenssponsorings; andere werden schwächer, wie die akademische Beschäftigung. All dies verändert auch, was gemacht wird.

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Das Internet ermöglicht einen unmittelbaren Zugang zum Publikum – und zum Künstler. Wenn es die professionelle Produktion aushungert, fördert es die Amateurproduktion. Es bevorzugt Schnelligkeit, Kürze und Wiederholung; Neuheit, sondern auch Wiedererkennbarkeit. Es legt großen Wert auf Flexibilität, Vielseitigkeit und Extrovertiertheit. All dies (und noch viel mehr) verändert auch, was wir über Kunst denken: zu verändern, was wir für gut halten, zu verändern, was wir überhaupt für Kunst halten.

Wird die Kunst selbst überleben? Ich meine nicht Kreativität oder Dinge machen – Musik spielen, Bilder zeichnen, Geschichten erzählen. Wir haben diese Dinge immer getan und werden es immer tun. Ich meine einen bestimmten Kunstbegriff – Kunst mit einem großen A – der erst seit dem 18 Markt, keiner Autorität, keiner Ideologie und keinem Herrn verpflichtet. Ich meine die Vorstellung, dass die Aufgabe des Künstlers nicht darin besteht, das Publikum zu unterhalten oder seinen Überzeugungen zu schmeicheln, nicht den Lord, die Gruppe oder das Sportgetränk zu preisen, sondern eine neue Wahrheit zu sagen. Wird das überleben?

Produktion und Vertrieb mögen jetzt billig oder kostenlos sein, aber das sind nicht die wahren Kosten der Kunstproduktion. Die beiden Hauptkosten bestehen darin, am Leben zu bleiben, während Sie es schaffen, und überhaupt Künstler zu werden, und beide sind in die Höhe geschossen.



Am Leben zu bleiben bedeutet hauptsächlich Miete, und die mittlere Miete ist in den Vereinigten Staaten seit 2000 inflationsbereinigt um etwa 42 % gestiegen. Es bedeutet auch Essen und Kleidung und Transport. Hinzu kommt die Tatsache, dass Künstler dazu neigen, sich nebenberufliche Einkommensquellen zusammenzusuchen, von denen keine mit Vorteilen einhergeht, ein Umstand, der sie noch stärker als andere Arbeitnehmer den ständig steigenden Kosten der Gesundheitsversorgung aussetzt. In der Lage zu sein, Ihr Handwerk zu erlernen und zu verfeinern, bedeutet auch Ausrüstung wie Instrumente und Malutensilien; Software ist auch nicht billig.

Um von Nutzen zu sein, muss die kreative Zeit frei von Unterbrechungen sein. Du brauchst den Raum, um in deine Trance zu sinken. Aber Unterbrechungen sind in der Aufmerksamkeitsökonomie unvermeidlich, die sich auf das sich überschneidende Trio aus Selbstmarketing, Eigenwerbung und Eigenmarken konzentriert. So viel sei gesagt, auch wenn man es streng genommen nicht selbst macht. Auch wenn man noch mit der Kulturbranche verbunden ist, muss man viel dafür tun. Autoren zum Beispiel fungieren jetzt effektiv als Partner ihrer Verlage bei der Marketing- und Öffentlichkeitsarbeit – eine Erwartung, die, wie mir ein Brancheninsider sagte, in den Fortschritt aufgenommen wird. Früher, wenn man einen Roman beendet hat, hat Martin Amis einmal gesagt, hat man ihn einfach abgegeben und das war's.

Jeff Tayler (Name geändert) war der Frontmann und die kreative Kraft hinter einer aufstrebenden Indie-Band, als er sich ganz von der Musik verabschiedete, so satt war er von all den Werbeforderungen, die ihr Label stellte: eine Konstante aufrechtzuerhalten Social-Media-Präsenz; um Fotos, Videos und Musiktitel zu posten; über ihre Shows zu bloggen; um Musikjournalisten und Blogger zu erreichen und ihnen zu antworten. Sie wollen keine Band, hat er mir damals gesagt. Sie wollen eine Reality-Show. Später sagte er, ich wollte schreiben, und ich wollte nachdenken, und ich wollte in die Tiefe gehen, aber ich konnte nicht wirklich, weil ich ständig an die Oberfläche gerufen wurde. Doch es ist nicht so, dass er eine Wahl gehabt hätte, was auch immer das Label gewollt haben mag, denn beruflich kommt man kaum vorbei. Du bist vielleicht beliebt und hast Fans, aber du brauchst jede Hilfe, die du bekommen kannst. Also stimmst du zu, dieses siebte Interview für einen Musikblog zu führen – es ist ein 15-Jähriger auf dem Dachboden, [aber er] könnte tatsächlich eine Menge Follower haben – auch wenn das deinen Tag zerstören wird. Tayler konnte keine Musik mehr machen. Er war zu sehr damit beschäftigt, Musiker zu sein.

Tayler konnte keine Musik mehr machen. Er war zu sehr damit beschäftigt, Musiker zu sein.

Sie müssen soziale Medien nicht hassen, um sich so zu fühlen. Es ist möglich, jung, versiert im Social Marketing und dennoch äußerst ambivalent zu sein. Das dürfte in der Tat eher die Regel als die Ausnahme sein. Die 1989 geborene Illustratorin Lucy Bellwood ist auf mehreren Plattformen stark präsent und kann auf Kickstarter und Patreon Erfolge vorweisen. Wie sieht es aus, wenn man versucht, eine tatsächliche, verwundbare menschliche Verbindung zu 7.000 Menschen auf einem Twitter-Profil aufzubauen? Sie wunderte sich. Wir werden gebeten, die Grenzen Ihrer normalerweise intimsten Freundschaften auf Fremde auszudehnen, und diese Verbindung ist der Kitt, der Ihr Finanzleben zusammenhält. Und das ist für mich sowohl wirklich magisch als auch total erschreckend.

Die zentrale Tatsache für die Situation des Künstlers ist jetzt, dass Sie nichts mehr vom Markt abschirmen kann. Künstler stellen keine besondere Art von Wirtschaftsakteuren dar, sondern gehören ihrer Zeit an. Sie waren Handwerker, als Handwerker üblich waren; Sie waren Profis im Zeitalter der Profis und Bohemiens zu einer Zeit, als die Bohème blühte. So ist es im 21. Jahrhundert. Wir leben in einem Zeitalter der wirtschaftlichen Atomisierung, einer Zeit, in der immer mehr von uns keine dauerhaft an Institutionen gebundenen Fachleute, keine dauerhaft an Arbeitgeber gebundene Arbeiter und, Gott weiß, keine Unternehmer, sondern einfach Produzenten sind: freie Teilchen auf dem Markt, Wir finden, was wir für welches Geld arbeiten können, und sind den Launen des Marktes schutzlos ausgeliefert.

Das Agieren auf dem Markt prägt eine Marktpersönlichkeit ein. Im digitalen Zeitalter ist der Künstler stets freundlich, fröhlich und nachvollziehbar. Künstler sind heute vertraute, bescheidene – ganz normale Leute. Sie müssen ihr Publikum ansprechen, also engagieren sie sich. Ihre Unterstützer lassen sich von ihnen inspirieren, also ermutigen sie sie. Sie sind einschmeichelnd und ernst, ohne Wut und ohne Rand. Und was ist diese Persönlichkeit – diese positiv bleibende, zurückhaltende, lächelnde und schuhputzende Persönlichkeit – wenn nicht eine kommerzielle? Es ist das Lächeln des Verkäufers, der herzliche Händedruck des Verkäufers, denn das Publikum ist jetzt ein Kundenstamm, und der Kunde hat immer Recht.

Märkte sind, wenn sie richtig funktionieren, Mechanismen zur Übermittlung von Wunschsignalen.

Der Markt, wie er durch das Internet verändert wurde, hat auch das traditionelle Tempo der künstlerischen Produktion beschleunigt. Wir können uns vorstellen, wie sich ein solches Klima auf die Nerven der Künstler auswirkt, ganz zu schweigen von ihrer Moral. Auch die Wirkung auf die Kunst ist klar. Ironie, Komplexität und Subtilität sind out; Das Spiel wird durch das Kurze, das Helle, das Laute und das Leicht Erfassbare gewonnen.

Das Internet hat natürlich nicht die Art von Kunst hervorgebracht, die eine rein viszerale Reaktion hervorruft oder den kleinsten gemeinsamen Nenner anspricht oder nur für einen Tag gebaut ist. Aber es zwang alle auf das gleiche Spielfeld, um unter den gleichen Bedingungen zu konkurrieren – Bedingungen, die solche Arbeit stark begünstigen. Bevor das Internet Einzug hielt, lasen wir Romane in Büchern und Geschichten in Zeitschriften, hörten Musik in der Stereoanlage oder im Radio, sahen uns Filme im Kino und Fernsehsendungen an und sahen uns Bilder in Museen, Galerien oder Kunstbüchern an. Jedes Formular hatte seine eigenen Formate, und der Wechsel von einem zum anderen war ein relativ zeitaufwändiger (und gehirnanpassender) Prozess. Jetzt nehmen wir alle Formulare an einem einzigen Ort auf und können in der Zeit, die es braucht, um mit einem Finger zu tippen, zwischen ihnen wechseln.

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Das darwinistische Aufmerksamkeitsderby findet nicht nur zwischen den verschiedenen Künsten statt, sondern auch innerhalb von ihnen. Die Jazzaufnahme konkurriert mit dem Popsong, die New Yorker Story mit dem Listicle, der Indie-Film mit dem YouTube-Video. Vor dem Internet war es unwahrscheinlich, dass jemand, der die Paris Review las, plötzlich anhielt und eine Ausgabe des National Enquirer in die Hand nahm. Sie hatten keine, und wahrscheinlich hatten sie noch nie eine geöffnet. Aber jetzt ist der entsprechende Schritt, da das Internet für immer an unserem Ärmel zerrt, immer eine unmittelbare Möglichkeit.

Nicht nur alles muss mit allem konkurrieren, sondern alles muss konkurrieren, Punkt. In der Vergangenheit war eine der wichtigsten Möglichkeiten, wie die Kulturindustrie subtilere oder durchdachtere oder künstlerisch ambitionierte Arbeiten unterstützte, die Quersubventionierung. Die Unterhaltung zahlte für die Kunst: Der Thriller unterstützte die Poesie, der Popstar unterstützte das Mädchen mit der Gitarre, der Blockbuster brachte die Arthouse-Sparte zum Schweben. Zeitschriften und Zeitungen waren selbst eine Form der Quersubventionierung, wobei die Modefeatures oder die Sportberichterstattung die Fiktion oder den tiefgehenden Recherchebeitrag ermöglichten. So waren Alben: die Single vorne, für das Hörspiel; die tiefen Einschnitte für Kunst und Seele. Aber jetzt steht jede Wanne auf ihrem eigenen Boden. Alles wurde entbündelt; jeder song, jede story, jede einheit muss sich bezahlt machen. Keine tiefen Schnitte mehr.

Wenn der Markt alles ist, wird alles in den Markt gesogen.

Auf die Probleme der Kunstökonomie gibt es keine Patentlösung. Es gibt nur viele teilweise, kleine. Soweit es umfassendere Antworten gibt, liegen sie völlig außerhalb der Künste. Mit anderen Worten, um die Kunstökonomie zu reparieren, müssen wir die gesamte Wirtschaft reparieren. Das bedeutet, dass wir uns organisieren müssen, da die einzige wirksame Antwort auf die Macht des konzentrierten Reichtums die Macht des koordinierten Handelns ist.

Künstler sind, wie ich bereits erklärt habe, nicht nur Arbeiter. Sie sind auch Miniaturkapitalisten: Menschen, die ihre Arbeit produzieren und auf dem freien Markt verkaufen. Hier organisieren sie sich tatsächlich. Mehr als ein Plan ist im Gange, zum Beispiel die Entwicklung eines Blockchain-Registers (dieselbe Technologie, die in Kryptowährungen wie Bitcoin verwendet wird), um eine seit langem bestehende und besonders ärgerliche Ungerechtigkeit zu beheben: das Fehlen einer Wiederverkaufsgebühr für Kunst. Wenn jemand ein Werk von Ihnen kauft und es dann 10 Jahre später, sagen wir, für das Fünffache verkauft, sehen Sie davon keinen Cent, obwohl es normalerweise Ihre eigene fortgesetzte Produktivität ist – der Wert Ihrer Arbeit in der Zwischenzeit – das ist für diese Wertschätzung verantwortlich. Ein Register würde es Künstlern ermöglichen, eine Kapitalbeteiligung an ihrer Arbeit (d. h. einen Bruchteil des Eigentumsanteils) zu behalten, wobei die übliche vorgeschlagene Zahl bei 15 % liegt. Eine Version wird von Amy Whitaker, der Schriftstellerin und Pädagogin, in Zusammenarbeit mit anderen entwickelt; eine zweite befindet sich in den Werken von Working Artists and the Greater Economy, einer in New York ansässigen Aktivistenorganisation. Letzteres würde auch eine Reihe moralischer Rechte beinhalten: das Recht, Einfluss darauf zu nehmen, wie das Werk gezeigt wird, es jedes Jahr für ein paar Monate zurückzubekommen, seine Verwendung als Finanzinstrument zu sperren. Es geht darum, das Prinzip zu etablieren, dass ein Kunstwerk nicht nur eine andere Ware ist.

Solche Bemühungen und Vorschläge sind bewundernswert. Sie stehen auch in keinem angemessenen Verhältnis zum Ausmaß des Gesamtproblems. Das ist weder ihre Schuld, noch bedeutet es, dass sie es nicht wert sind, es zu tun. Das Problem beginnt mit Giant Tech. Das Silicon Valley im Allgemeinen und die Technologiegiganten im Besonderen – allen voran Google, Facebook und Amazon – haben einen enormen und kontinuierlichen Reichtumstransfer von den Schöpfern zu den Händlern, von den Künstlern zu ihnen selbst inszeniert. Je billiger die Inhalte, desto besser für sie, denn sie messen den Fluss – sie zählen unsere Klicks und verkaufen die daraus resultierenden Daten – und sie möchten, dass dieser Fluss so reibungslos wie möglich verläuft. Auch jede echte Lösung muss dort ansetzen.

Praktisch jeder, mit dem ich in dieser Angelegenheit gesprochen habe, befürwortet eine Überarbeitung des Digital Millennium Copyright Act, des DMCA, der das Urheberrecht für das digitale Zeitalter auf den neuesten Stand bringen sollte. Als das Gesetz 1998 verabschiedet wurde, war Google fünf Wochen alt, YouTube existierte noch nicht, Mark Zuckerberg kam gerade in die High School – und Napster war ein Jahr von der Markteinführung entfernt. Es war nicht darauf ausgelegt, Piraterie in dem Ausmaß zu bekämpfen, das kurz vor dem Ausbruch stand.

Takedown muss unten bleiben, damit Dateien nicht sofort wieder hochgefahren werden können. Für Urheberrechtsverletzungen sollte ein Gericht für geringfügige Forderungen eingerichtet werden, damit einzelne Künstler, nicht nur Medienkonzerne, es sich leisten können, auf Schadensersatz zu klagen. Fair Use, die Bestimmung im Urheberrecht, die begrenzte Ausnahmen zulässt (z. B. Zitieren für wissenschaftliche Zwecke oder Sampling für Satirezwecke), die Google und andere unermüdlich zu erweitern versucht haben, muss innerhalb traditioneller Grenzen gehalten werden. Im Jahr 2019 verabschiedete die Europäische Union ein wegweisendes Gesetz, wie die New York Times erklärte, das Plattformen verpflichtet, Lizenzvereinbarungen mit Musikern, Autoren und anderen zu unterzeichnen, bevor sie Inhalte veröffentlichen – im Endeffekt, um rechtsverletzendes Material proaktiv zu entfernen. Eine vergleichbare Regelung sollte in den Vereinigten Staaten erlassen werden.

Aber diese Maßnahmen betreffen nur das Urheberrecht. Das größere Problem ist der völlig unverhältnismäßige Vorteil, den Monopolplattformen im Kampf um die Preisgestaltung besitzen. Zunächst einmal ist diese Preisgestaltung oft mysteriös. Wir wissen in vielen Fällen nicht, was die Plattformen zahlen, weil sie uns das nicht mitteilen müssen. Aus diesem Grund sind die Musik-Streaming-Preise (0,44 Cent auf Spotify, 0,07 Cent auf YouTube) nur eine Schätzung, ebenso wie der Preis pro Seite, den Amazon über Kindle Unlimited (sein Spotify für E-Books) zahlt. Den Künstlern fehlen sogar die Informationen, um zu verhandeln: nämlich, wie viel Geld die Dienste einnehmen. Wie viel generiert zum Beispiel Kindle Unlimited? Amazon redet nicht. Und selbst wenn wir diese Informationen hätten, ist es unwahrscheinlich, dass die Plattformen überhaupt verhandeln würden. Was sie wirklich stört, sagte mir die Filmemacherin Ellen Seidler, ist, dass niemand bereit ist, von der anderen Seite an den Tisch zu kommen. Stattdessen, sagte sie, seien Künstler auf ziemlich orchestrierte Weise verunglimpft worden. Unsere Stimmen wurden unterdrückt. Es ist David gegen Goliath.

Weniger klar ist, was getan werden kann, um eine gerechtere Verteilung der vielen Milliarden Dollar zu erreichen, die dämonisierte Inhalte weiterhin generieren, um das Geld zurückzubekommen, das die Technologiemonopole weggekrallt haben. Arbeitnehmer dürfen sich für höhere Löhne organisieren. Wenn Produzenten zusammenarbeiten, um Preise festzulegen – selbst wenn sie sich vorstellen, dass so etwas hier möglich wäre, wenn man bedenkt, wie unglaublich verstreut die Produktion von Inhalten heute ist –, nennt man das Absprachen und es ist illegal. Die Regierung kann natürlich auch keine Preise festlegen.

Aber es gibt eine Sache, die die Regierung tun kann – und wie die Menschen in letzter Zeit zunehmend erkennen, dass sie sie unbedingt tun muss. Sie muss diese Monopole aufbrechen. Es gibt bereits Ansätze in diese Richtung. Im Jahr 2019 leitete die Bundesregierung kartellrechtliche Untersuchungen gegen vier der Big Five ein, wobei das Justizministerium Google und Apple untersuchte und die Federal Trade Commission die Verantwortung für Amazon und Facebook übernahm. Auch der Justizausschuss des Repräsentantenhauses kündigte Pläne für eine Untersuchung an. Im selben Jahr signalisierte der Oberste Gerichtshof in einer Entscheidung zu einem Rechtsstreit über Apples App Store die Bereitschaft, seinen Ansatz im Kartellrecht zu überdenken, ein Schritt, der längst überfällig war. [Seit der Veröffentlichung dieses Buches haben beide Zustand und föderal Kartellklagen wurden gegen Google eingereicht.] Solche Bemühungen, die Spitzenräuber der Technologie zu zügeln, dürfen, wie es die Journalistin Kara Swisher ausdrückt, nicht entgleisen. Die Befugnisse der Technologiemonopole, Gesetze zu missachten, Bedingungen zu diktieren, Wettbewerb zu ersticken, Debatten zu kontrollieren, Gesetze zu gestalten, Preise zu bestimmen – all dies ergibt sich direkt aus ihrer Größe, ihrem Reichtum und ihrer Marktbeherrschung. Sie sind zu groß, zu reich und zu stark. Und wir müssen das erledigen, bevor es zu spät ist.

Die Künste, so heißt es oft, seien Ökosysteme . Das bedeutet, dass große Talente mit ihren dauerhaften, transformativen Errungenschaften nicht vom Himmel fallen, dass ihre Entstehung von einer Vielzahl anderer Personen abhängt: Kinderpädagogen, frühe Mentoren, lebenslange Rivalen und Mitarbeiter, die alle einen Weg haben müssen auch ihren Lebensunterhalt verdienen. Das bedeutet, dass Institutionen (der örtliche Club, das Theater mit 99 Plätzen, das Indie-Label und die unabhängige Presse) nur mit einer kritischen Masse von Künstlern überleben können, denen sie dienen können – die sich wiederum auf die Institutionen verlassen. Das bedeutet, dass selbst kleine oder mittelmäßige Projekte ihren Wert haben, weil sie den Entwicklern Erfahrung und vielleicht einen Gehaltsscheck geben, damit sie einen weiteren Tag bleiben und arbeiten können. Das bedeutet, dass Künstler ihre Arbeit nicht machen können, wenn andere es nicht können: der Beleuchter, der Lektor, der Buchhalter, der Mäntelkontrolleur oder der Bierverkäufer. Es bedeutet, dass Künstler in Netzwerken koexistieren und sich gegenseitig helfen, Jobs, billige Zimmer und Möglichkeiten zu finden – aber nur so lange, wie sie in der Kunst bleiben können.

Während Institutionen erzittern und zerfallen, verlieren Fachleute auf breiter Front ihre Autonomie, ihre Würde, ihren Platz.

Aber alle Gemeinschaften sind Ökosysteme, nicht nur die Künste. Auch im breiteren wirtschaftlichen Ökosystem werden die Wale dicker, indem sie das Plankton verhungern lassen. Die Konsolidierung hin zum Monopol betrifft inzwischen fast jeden Sektor und ist die Hauptursache für sinkende Löhne. Der Trend zu schlecht bezahlter Werkvertragsarbeit – Gig Work, Akkordarbeit, Leiharbeit – ist nahezu allgegenwärtig. Während Institutionen erzittern und zerfallen, verlieren Fachleute auf breiter Front ihre Autonomie, ihre Würde, ihren Platz. Überall steigt der Reichtum, überall verschwindet die Mittelschicht.

Einige der Leute, mit denen ich gesprochen habe, glauben, dass die Lösung für die Kunst in einer besseren öffentlichen Finanzierung liegt. Andere meinen, wir brauchen ein universelles Grundeinkommen. Das mögen beide gute Ideen sein, aber ich glaube nicht, dass sie das Problem lösen würden. Sie wollen, dass der Markt eine Stimme hat, weil Sie wollen, dass die Öffentlichkeit eine Stimme hat. Tatsächlich möchten Sie, dass die Öffentlichkeit die meisten Stimmen erhält.

Märkte sind, wenn sie richtig funktionieren, Mechanismen, um die Signale des Begehrens zu übermitteln – im Klartext, um zu sagen, was wir wollen. Was wir nicht wollen, ist, dass die Kunst davon abgeschnitten wird, vom populären Geschmack; für Bürokraten in Kunstförderungsgremien, die uns sagen, was wir wollen. Aber Märkte müssen funktionieren. Das universelle Grundeinkommen scheint mir die falsche Antwort auf die richtige Frage zu sein. Ja, wir müssen Geld in die Taschen der Menschen stecken, aber besser auf natürliche Weise, nicht einfach durch Fiat – besser, mit anderen Worten, durch die Wiederherstellung des gesamten Ökosystems, durch den Wiederaufbau der Mittelschicht. Das würde bedeuten, vieles von dem rückgängig zu machen, was wir getan haben, um hierher zu kommen: Monopole aufzubrechen; Erhöhung des Mindestlohns; Rückgängigmachung jahrzehntelanger Steuersenkungen; Wiederherstellung der kostenlosen oder kostengünstigen Hochschulbildung; Befähigung der Arbeitnehmer, sich wieder zu organisieren, anstatt sie ständig zu behindern. Es würde auch bedeuten, dass Gesetze und Vorschriften, die für eine vergangene Wirtschaft geschaffen wurden, aktualisiert werden müssen, um die tatsächlich existierende widerzuspiegeln: am offensichtlichsten durch die Ausweitung der Arten von Schutzmaßnahmen, die Vollzeitbeschäftigte genießen – Gesundheits- und andere Leistungen, Schutz vor Diskriminierung und Belästigung, das Recht Tarifverhandlungen zu führen – für die wachsende Armee von Gig- und Vertragsarbeitern. Du solltest kein Gewinner sein müssen, um kein Verlierer zu sein.

Auszug aus THE DEATH OF THE ARTIST: How Creators Are Struggling to Survive in the Age of Billionaires and Big Tech von William Deresiewicz. Veröffentlicht von Henry Holt and Company, Juli 2020. Copyright 2020 von William Deresiewicz. Alle Rechte vorbehalten.

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